Dla miłośników sztuki Galeria Uffizi jest atrakcją numer jeden we Florencji. Bardziej nieformalni turyści, niezależnie od tego, czy oglądają galerię samodzielnie, czy na wycieczce z przewodnikiem, przynajmniej będą chcieli zobaczyć jej najważniejsze atrakcje, w tym najbardziej znane dzieło: Narodziny Wenus Botticellego. Poza wielkością, być może najbardziej zadziwiającą rzeczą przed wizytą w Galerii Uffizi jest to, że była to prywatna kolekcja jednej rodziny - i tylko jej część. Bardziej bezcenna sztuka jest ukryta w ich innych pałacach i willach.

Poza kolekcjonerami, Medyceusze byli wspaniałymi mecenasami sztuki, a bez ich patronatu wiele z tych dzieł nigdy nie powstałoby. W pewnym momencie swojej wycieczki zatrzymaj się na krótkie podziękowania dla kobiety, która zapewniła, że ​​ta wspaniała kolekcja - i inne dzieła sztuki Medici - pozostaną tutaj we Florencji. Zbiory zostały przekazane miastu przez Annę Marię Ludovicę von der Pfalz, ostatnią spadkobierczynię domu Medyceuszy, która zmarła w 1743 roku. I zastrzegła, że ​​muszą pozostać we Florencji.

Uffizi zawiera jedną z najważniejszych kolekcji obrazów na świecie. Oprócz sztuki florenckiej i włoskiej, zawiera również wiele dzieł zagranicznych i rzeźby klasycznej. Jego największym skarbem jest unikatowa kolekcja florenckiego malarstwa renesansowego, istotna część wkładu tego miasta w sztukę europejską. Prace te z okresu od około 1300 do 1500 roku wyznaczają drogę całej późniejszej sztuce zachodniej.

W tym przewodniku znajdziesz najważniejsze skarby Uffizi, zgodnie z tą samą kolejnością, co w przewodniku po muzeum. Dzieła sztuki są wyświetlane w porządku chronologicznym, zgodnie z tym, kiedy zostały pomalowane, począwszy od pokoju 2 na drugim piętrze Uffizi. Jednak poza pokojem 13, ośmioboczną galerią w Tribune, prace nie są już chronologiczne, ale według szkół, regionów i krajów. Obejmują prace od około 1500 do 1700.

1. Cimabue's Madonna Enthroned i XIII-wieczna sztuka toskańska

Sala 2 Uffizi łączy trzy duże Madonny z około 1300 roku, ilustrując debiut sztuki toskańskiej i jeden z jej pierwszych punktów. Te trzy obrazy, widziane razem, są najlepszym wprowadzeniem, o które można prosić, zarówno dla Uffizi, jak i dla sztuki renesansowej. Madonna Enthroned Cimabue (ok. 1275 r.) Jest nadal całkowicie w bizantyjskiej tradycji malowania Dziewicy, która wygląda jak posąg, z dala od rzeczywistości i otoczona symetrycznie rozmieszczonymi aniołami. Cimabue's Infant Christ jest ubrany jak rzymski generał i nie ma śladu żadnej delikatnej wymiany między matką a synem. Natomiast Madonna Enthroned z Duccio (1285) pokazuje więcej ruchu, z delikatną kolorystyką i płynnymi liniami, ale wciąż eteryczną i powściągliwą.

Pierwsze pojawienie się ludzkiego, realistycznego widoku znajduje się w Madonna Enthroned Giotta (ok. 1310). Tron wydaje się niemal w zasięgu ręki, postacie mają wagę i solidność, nawiązując kontakt wzrokowy ze sobą i widzem. Giotto był pierwszym artystą, który przedstawił Dziewicę jako kobietę z fizyczną obecnością, a nawet jego drobne postacie są ożywione i mają inną mimikę. Odrywa się od ciemniejszych kolorów sztuki bizantyjskiej, ale tła pozostają tradycyjnym złotem. Najważniejszym i historycznym osiągnięciem Giotta była jednak jego kompozycja. Był pierwszym malarzem, który stworzył dobrze zdefiniowaną przestrzeń, która uwzględnia oko widza, a jego piramidalna kompozycja stworzyła model, który przetrwałby wieki. Bardziej osobisty, realistyczny styl Giotta miał doprowadzić do prawdziwego renesansu w sztuce. Odtąd malarstwo będzie sztuką samą w sobie, w końcu przyćmiewa rzeźbę.

2. Zwiastowanie Simone Martini i Lippo Memmi (XIV-wieczna sztuka toskańska)

Kolejne galerie pokazują, jak inni malarze zmieniają się od starych norm. Chociaż Zwiastowanie (około 1333 r.) Sieneńskiego artysty Simone Martini i jego szwagra Lippo Memmi, jest nadal bardzo gotyckie w stylu, to już pokazuje przejście do Nowego Realizmu. Ustawienie, z wieżyczkami i szczytami, pierścienie z gotycką architekturą, ale trzepotanie anioła i Dziewica ukazują wielką wyrafinowanie i elegancję. Ruchy mają delikatność i wrażliwość, ale delikatne kobiece obrazy są wciąż niemal eteryczne.

Wśród innych XIV-wiecznych przykładów Sieny znajdują się Madonna w chwale (1340) autorstwa Pietro Lorenzettiego, wyznawcy Giotta, oraz sceny z życia św. Mikołaja autorstwa Ambrogio Lorenzettiego, godne uwagi z prób wykorzystania perspektywy. Najbardziej widocznymi pokazanymi tutaj florenckimi zwolennikami Giotta są Bernardo Daddi (zm. 1348) i Taddeo Gaddi (zm. 1366), których ołtarze wykorzystują delikatne kolory i miękkie, pełne wdzięku linie, aby pokazać ludziom i otoczeniu bardziej realistycznie.

3. Adoracja Trzech Króli Gentile da Fabriano

Gotyk nadal dominował w sztuce na początku XV wieku, ale chociaż Adoracja Trzech Króli (1423) Gentile da Fabriano nadal przekazuje gotycki ideał piękna, jego hojna dbałość o szczegóły oznacza wczesne przejście od gotyku do renesansu. Możesz także zobaczyć w tle, pod łukami ozdobnej ramy ołtarza, początki próby pokazania perspektywy, gdy procesja staje się mniejsza i prawie znika na linii horyzontu. Jest to jego arcydzieło i uosobienie międzynarodowego malarstwa gotyckiego.

Współczesny Fabriano, Masaccio, zrewolucjonizował sztukę perspektywy, starając się stworzyć trzy wymiary na dwuwymiarowej powierzchni. Madonna z Dzieciątkiem Masaccio i św. Anną (ok. 1420), namalowana z Masolino, jest jedną z jego wczesnych prac. Jest jednym z twórców renesansu, Brunelleschim i Donatello, nowym doświadczeniem artystycznym w rzeczywistości, opartym na dokładnym obserwowaniu i rejestrowaniu przyrody. Widać to w podobnym do reliefu modelowaniu i realistycznym naturalnym pięknie twarzy i postaci na ołtarzu Masaccio.

Spójrz także na koronację Dziewicy przez Fra Angelico, dominikanina, który był współczesny Masaccio, i którego mistyczna religijna koncepcja sztuki prowadzi go w przeciwnym kierunku. Ale wprowadzał innowacje na inne sposoby. Podczas gdy wciąż używa złotych teł i eterycznych udrapowanych figur, bogate kolory Fra Angelico i okrągłe układy figur tworzą jednoczącą obrazową perspektywę.

4. Dziewica i dziecko Domenico Veneziano

Porzucając poprzednią konwencję złotego tła dla ołtarza, w tym 1445 dziele Veneziano przenosi perspektywę na nowe wysokości, harmonijnie umieszczając świętych w półkolu i wzmacnia efekt głębi geometrycznymi wzorami inkrustowanego marmuru. Jednak jego główna innowacja była mistrzem realistycznego światła i cienia. Jego delikatne niuanse i delikatne odcienie kolorów znacznie wyprzedzały solidne obszary silnego koloru używane przez współczesnych florenckich. Wykorzystanie światła i kolorów przez Veneziano wpłynęło na pracę Piero della Francesco, który często z nim współpracował.

5. Portrety księcia i księżnej Urbino Piero della Francesca

Malarstwo portretowe było kolejnym celem sztuki wczesnego renesansu - i tym, co sprawiło, że patroni byli szczęśliwi. Dobrym przykładem są portrety księcia i księżnej Urbino autorstwa Piero della Francesca z około 1465 roku. Ale Piero nie schlebiał swoim siedzącym, pokazując orli nos, książę, zmarszczki, wąskie usta i krępą budowę. Zwróć uwagę na tło, rzadki przykład wczesnego renesansu.

Bardziej jak portret niż sztuka religijna to Dziewica i dziecko Filippo Lippiego (ok. 1460 r.), Elegancko ubrana młoda Maryja z dwoma uśmiechniętymi aniołami, scena ukazująca uczucia i kontakt wzrokowy między matką a dzieckiem, co odzwierciedla wzrastającą zsekularyzowaną interpretację tematów religijnych. W pokoju 9 znajdują się ogromne panele Siedmiu cnót Piero del Pollaiolo. Właściwie Piero namalował tylko sześć, siódmy jest jednym z najwcześniejszych dzieł Botticellego.

6. Narodziny Wenus Botticellego

Co prowadzi do Złotego Wieku Florencji i jednej z jego najjaśniejszych gwiazd, Botticellego. Wraz z ich własnym wzrostem, patrycjusze florenccy intensywnie interesowali się klasyczną literaturą i filozofią, a najsłynniejsze dzieła Botticellego, Birth of Venus i Primavera, obie zamówione przez Medici, odzwierciedlają to. W narodzinach Wenus (1482/1483) Botticelli łączy myśl klasyczną i chrześcijańską w kategoriach idei renesansowych, jako odrodzenie ducha z mitologii klasycznej i teologii chrześcijańskiej. Maluje nagą kobietę wzorowaną na klasycznym posągu bogini miłości Wenus i zakłada chrześcijański chrzest (jak Chrystus jest ochrzczony w Jordanie). Porównaj to florenckie myślenie z Entommentem flamandzkiego malarza Rogiera van der Weydena (ok. 1450) i Ołtarzem Portinari Hugo van der Goesa, oba w tym samym pomieszczeniu, aby docenić, jak bardzo te florenckie idee różniły się od tych w Europie Północnej. Naga byłaby nie do pomyślenia, a figury ukryte w draperiach.

Botticelli namalował ołtarz Pokłon Trzech Króli około 1475 r., Kiedy miał około 30 lat, a komisja obejmowała przedstawianie członków rodziny Medyceuszy i ich współpracowników wśród gapiów. Zaaranżował grupę w piramidzie ze świętą rodziną na szczycie, poniżej nich trzej królowie - trzej najwyżsi rangą Medyceusze - a pod nimi w kolejności rangi bardziej Medyceusze i ich przyjaciele. Temat wydaje się cofać w przeszłość, służąc bardziej jako pretekst do wspaniałej reprezentacji Medyceuszy i ich zwolenników.

7. Zwiastowanie Leonarda da Vinci

Leonardo da Vinci żył w czasach naukowego odkrycia, które kwestionowało biblijne relacje jako jedyny model wyjaśniający wszechświat. Jedną z głównych cech jego twórczości, czy to malarskiej, czy rzeźbiarskiej, było wprowadzenie natury do jego pracy w sposób, który sprawił, że mistyczne tematy religijne stały się bardziej wiarygodne w świecie, który szybko stał się świadomy nauki. W tej wczesnej pracy pokazuje skrzydła anioła jako realistyczne skrzydła ptaka pokryte piórami.

Leonardo także w delikatny sposób oddaje atmosferę swego czasu w Adoracji Trzech Króli (1481). W centrum tego niedokończonego obrazu Madonna i dziecko pojawiają się jako wpływ stabilizujący, otoczony masą ludzi, którzy witają narodziny ze zdumieniem i zdumieniem lub z wątpliwościami i strachem. Zamiast ludowej opowieści, Narodzenia zyskuje nowy wymiar odkupienia świata.

Pokój 16 jest ostatnim z pierwszej części wycieczki po Uffizi, poświęconej sztuce florenckiej i toskańskiej od 1300 do 1500 roku, głównie w porządku chronologicznym. Sztuka późniejszego włoskiego renesansu pojawia się w pokoju 25 i urządzona według szkół malarstwa.

8. Tribuna

W centrum oszałamiającej ośmiobocznej Tribuny, która sama w sobie jest dziełem sztuki, znajduje się Medyceusze Wenus, najsłynniejsza klasycystyczna rzeźba marmurowa we Florencji i uważana za Praxitelesa w późnej greckiej wersji Afrodyty Cnidusa. Na ścianach są manierystyczne portrety rodziny Medyceuszy z połowy XVI wieku, najwybitniejsze z Pontormo, Bronzino i Vasari. Pietro Perugino, uczeń Verrocchio i nauczyciel Rafaela, jest reprezentowany przez Madonnę ze Świętymi i różne portrety, które pokazują jego trójwymiarowy realizm i stonowany kolor, który utorował drogę dla klasycznej sztuki Wysokiego Renesansu. Podobnie, turbulencje i kolor stylu Luki Signorelli, jak zobaczysz, jego Święta Rodzina ( ok. 1495) i Madonna z Dzieciątkiem, z drugiej strony, wykazują znacznie więcej zawirowań i ruchów, co ma wpływ na młodego Michała Anioła.

9. Adoracja Trzech Króli Albrechta Dürera

W tym samym czasie, gdy Florentine i inni włoscy malarze zmienili świat sztuki, niemieccy artyści przenosili się do własnego renesansu, jak zobaczycie w arcydziełach Albrechta Dürera. W Adoracji Trzech Króli (1504) Dürer pokazuje swoje zrozumienie zarówno perspektywy, jak i gry światła w układaniu odzieży. Używa on jasnych kolorów pierwszego planu, aby wzmocnić złudzenie perspektywy. Podobnie jak inni artyści niemieccy i północnoeuropejscy, zawiera bogactwo szczegółów i dąży do skrupulatnego realizmu. Norymberski artysta jest również reprezentowany przez swoją Dziewicę i Dziecko (1526) oraz przez jedno z jego najwcześniejszych dzieł, które jeszcze istnieją, Portret Ojca (1490).

Prace niemieckiego artysty Lucasa Cranacha obejmują jego portret Martina Lutra i jego żony Kathariny, autoportret, imponujący Melanchthon i raczej erotyczny Adam i Ewa . Malarstwo weneckie, charakteryzujące się łagodnym kolorem i zrównoważonym światłem, reprezentowane jest przez Religijną alegorię Giovanniego Belliniego (ok. 1485) i Portret maltańskiego jeźdźca Giorgione. Reprezentuje także sztukę wysokorenesansową w północnych Włoszech. Są to dzieła religijne Antonio Allegri, lepiej znane jako Correggio, których ukośne kompozycje, efekty świetlne i niezwykłe głębie perspektywy miały trwały wpływ na późniejsze malarstwo barokowe.

10. Święta Rodzina Michała Anioła i Wielki Renesans

Święta Rodzina Michała Anioła (1504/1505), znana jako Doni Tondo, pozbawiona jest wszelkich uczuć religijnych, a rodzina pojawia się, jakby wyrzeźbiona w bloku i ukazująca silne tło rzeźby Michała Anioła. W tym obrazie zobaczysz ślady jego arcydzieła na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w obfitości nagich postaci i jasnych, opalizujących kolorach. Rok śmierci Rafaela (1520) oznaczał początek manieryzmu, późnej fazy renesansu, która trwała do około 1600 roku. Odejście od stylów klasycznych obejmowało nienaturalne formy i kolory, ukazane przez niemal dwuwymiarową kompozycję Rosso Fiorentino Moses Defending Córki Jethro (1523), których figury wydają się nierealne, prawie jak przegubowe lalki.

Trzy ważne dzieła Rafaela z tego samego okresu to autoportret (ok. 1506), jego urocza Dziewica Maryja ze Szczygłem oraz papież Leon X z kardynałami Giulio de 'Medici i Luigi de'Rossi. Raphael przedstawia Papieża jako jednostkę i intelektualistę, a nie tylko potężnego przywódcę. Andrea del Sarto Madonna ze Harpiami, monumentalny ołtarz typowy dla sztuki florenckiego Wysokiego Renesansu, łączy miękką technikę Rafaela z monumentalnością Michała Anioła i atmosferycznymi walorami Leonarda da Vinci. Manieryzm był XVI-wiecznym przejściem między renesansem a barokiem, burzliwym i pełnym ruchu, zniekształcającym rzeczywistość i mistycznie interpretującym pobożność. W Wieczerzy Jacopo da Pontormo w Emaus (ok. 1525), zobaczysz wpływ jego nauczycieli Leonardo da Vinci i Andrea del Sarto połączonych z inspiracją z późnego dzieła Rafaela i monumentalnej sztuki Michała Anioła.

Dzieła wielkiego malarza weneckiego Tycjana to Wenus z Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Wenus i Kupidyn (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, Książę Urbino i La Flora, jeden z jego najlepszych portretów kobiety . Venus of Urbino jest szczególnie interesujący ze względu na sposób, w jaki Tycjan używa odcieni czerwieni, aby połączyć różne części obrazu po przekątnej. Girolamo Francesco Maria Mazzola, znany jako Parmigianino, był z kolei pod wpływem Correggio, rzymskiego wysokiego renesansu i manieryzmu . Madonna z długą szyją, namalowana między 1534 a 1540 rokiem, jest dobrym przykładem manierystycznego zniekształcenia, z jej wydłużonymi postaciami i dziwnym światłem.

11. Święta rodzina Veronese z św. Barbarą

Jeśli twoje oczy już się nie przesłoniły, spójrz na pozostałe galerie, które zawierają wiele arcydzieł, w szczególności kilka weneckich artystów. Święta Rodzina Paolo Veronese z św. Barbarą odzwierciedla bogactwo Wenecji w jej złotych odcieniach i bogatym stroju świętego. Realistyczne figury i wyraziste twarze są typowe dla weneckich malarzy. W tej galerii są także Zwiastowanie i męczeństwo św. Justyny ​​Veronese oraz Portret mężczyzny Tintoretta. W następnym pokoju jest jeszcze kilka Tintoretto. Spójrz też na szefa młodzieży Lorenzo Lotto (1505).

W kolejnych galeriach są prace Van Dycka i niektóre z najlepszych dzieł Rubensa - Henry IV w Ivry i Henry IV Wchodzący do Paryża, Isabella Brandt i Wpis Ferdynanda z Austrii do Antwerpii. W pokoju Niobe poszukaj najlepszej klasycznej rzeźby we Florencji po Medyceuszu Wenus, wazonie Medyceuszy z II wieku pne.

12. Portrety Rembrandta

W całej swojej karierze, która zbiega się ze Złotym Wiekiem malarstwa holenderskiego, Rembrandt namalował serię autoportretów, z których dwa są pokazywane w Uffizi. Gdy rejestruje zmiany w sobie od pewnej siebie młodzieży do starzejącego się malarza, rejestruje także swoją podróż jako artysta. Pokazano na nich jego Portret starca, namalowany mniej więcej w tym samym czasie, co jego późniejszy autoportret.

Spójrzcie tutaj także na dzieła Caravaggia, w tym jego Młodzieńczy Bachus, Meduza i Ofiara Izaaka. Zadziwiający realizm tych dwóch ostatnich prac jest wzmocniony przez genialne poczucie dramatyzmu Caravaggia w użyciu światła i cienia.

Porady i wycieczki: jak najlepiej wykorzystać wizytę w galerii Uffizi

• Wycieczki po Galerii Uffizi: Goście na Skip the Line: Florencja Uffizi Gallery Tour może ominąć długie linie, aby zobaczyć wszystkie atrakcje i poznać artystów oraz ich prace z przewodnikiem dla ekspertów sztuki. 1, 5-godzinna wycieczka piesza jest dostępna po południu przez cały rok, rano i wieczorem w lecie. Bilet pozwala pozostać po wycieczce do zwiedzania w czasie wolnym. Skip the Line: Bilety na Florence Uffizi Gallery pozwalają ominąć linie i zwiedzać galerię na własną rękę bez przewodnika. Inną opcją jest połączenie Uffizi z inną główną galerią sztuki na Skip the Line: Florence Accademia i Uffizi Gallery Tour, spędzając 1, 5 godziny w każdym muzeum ze specjalistycznym przewodnikiem. Jedna trasa spacerowa jest rano, druga po południu, za każdym razem omijając linie oczekujące.
• Zwiedzanie galerii Uffizi na własną rękę: Chociaż można oczekiwać, że linie do przyjęcia będą bardzo długie wiosną do jesieni, najdłuższe są w weekendy, wtorki i rano. Jeśli nie zarezerwowałeś biletu z wyprzedzeniem, czasami możesz kupić je w kasie muzealnej w kościele Orsanmichele (niedziela zamknięta). Mogą nie mieć żadnych dostępnych, ale warto spróbować. Wycieczki audio są dostępne, ale mały przewodnik sprzedawany przy wejściu jest bardziej szczegółowy.

Adres

• Piazzale degli Uffizi 6 (przy Piazza Signoria), Florencja